por: María Dolores Moreno Bonilla
La música
posee la capacidad de despertar en las personas sentimientos de diversa
índole, experimentando reacciones de alegría, melancolía, tensión,
relajación etc. Esta misma circunstancia ocurre en el bailarín/a,
produciéndole una enorme acción emotiva que le impulsa a expresarse a
través de sus movimientos. La música aporta al bailarín/a la fuerza y la
motivación que necesita para comunicarse. Pero para que la danza fluya, es necesario realizar previamente un análisis de la música que va a acompañar al movimiento, a fin de identificar aquellas estructuras que van a
permitir desarrollar al máximo la expresión y la interpretación del
bailarín/a.
Existen una
serie de elementos de la música que inciden en el desarrollo de la
expresión artística de la danza. Estos son: la melodía, la armonía, el
estilo y el carácter.
1. La
melodía:
Se puede definir como la combinación heterogénea de los sonidos musicales,
o la sucesión de sonidos de diversa altura con la que el compositor
expresa un sentimiento. A través del ritmo los diferentes sonidos de la
melodía se agrupan unos con otros. El ritmo es importante en la danza,
pero no es conveniente bailar sólo a golpe de tambor. La melodía aporta un
soporte natural para la expresión y ayuda al uso de la respiración durante
la interpretación.
La
respiración del bailarín y la melodía actúan como cómplices que caminan
juntos en la construcción de frases de movimientos. Una manera de agrupar
la melodía es a través de la frase musical. Ésta es una unidad
conceptual, que suele constar de ocho compases, aunque pueden tener
menos.En danza, se suele trabajar con frases musicales de ocho compases,
que permiten realizar frases de movimientos.
Estas frases
de movimientos tienen un comienzo, un desarrollo y un final y se realizan
respetando las frases musicales. La continuidad en el encadenamiento de
cada frase es fundamental tanto para los músicos como para los bailarines
y en el caso de la danza, dará lugar a una coreografía.
Los brazos
tienen más soltura que las piernas a la hora de ligar los movimientos y de
darle continuidad a las frases, es por ello que se les confía la misión de
subrayar dicha continuidad.
2. La
armonía.
Se define
como la adicional textura de la melodía, o cómo la ciencia que estudia los
acordes. Un acorde es un conjunto de tres o más sonidos que se oyen
simultáneamente.
La armonía
sirve de unión entre la melodía y el ritmo, enriqueciendo la melodía y
aportándole variedad y carácter. Al bailarín/a le ayuda a ser más
consciente de la respiración en los movimientos, mejorando así la calidad
de las ejecuciones.
La
respiración permite la preparación, el desarrollo y la finalización de los
movimientos, la matización de los gestos y de los sentimientos y el
encadenamiento de los pasos. Por todo ello la armonía juega un papel
importante.
En este
apartado nos encontramos con dos conceptos: tonalidad y modalidad.
La
tonalidad se puede definir como el producto que se obtiene tras
organizar los sonidos de una escala, donde el más importante se llama
tónica y da nombre a la tonalidad.
La
modalidad es una forma de construir una escala, y va a estar en
función del lugar que ocupen los tonos y los semitonos. Puede ser Mayor o
Menor.
Tonalidad y
modalidad otorgan a la pieza musical un carácter determinado.
Los cambios
de modalidad o la transposición en la tonalidad, ayudan al bailarín a
sacar fuerzas renovadas para continuar realizando la variación de
movimientos. Les otorga un aporte extra de energía muy útil para
desarrollar la coreografía.
3. Estilo y
carácter.
El
carácter es el elemento expresivo que nos va a decir como es la
composición musical. Indica qué cualidad tiene: si es alegre o triste, si
tiene fuerza o es sensible, etc. Los términos usados para expresarlo son
entre otros: amábile , appasionato, brillante, delicato, furioso,
tranquilo etc. etc.
Cada
instrumento tiene un carácter particular, y al igual que el músico opta
por uno determinado para componer, porque es el que necesita para
desarrollar el sentimiento que quiere expresar, en danza ocurre lo mismo.
El bailarín/a
o coreógrafo busca aquellas músicas que mejor se adaptan al sentimiento
que quiere transmitir. Así escoge un piano o un violonchelo o una pieza
orquestada o lo que necesite, eligiendo además si lo que le conviene es
que esa pieza sea adagio, allegro etc.
Esto es
porque la música despierta en el bailarín/a una serie de emociones que le
permiten transmitir un sentimiento.
Los
estilos de las piezas musicales son diversos y es importante que el
bailarín/a los conozca, para poder decidir qué clase de música es la que
le conviene para el montaje de su coreografía.
La danza por
su parte engloba diversos estilos que son específicos. Cada uno de ellos
tiene un carácter determinado y nos indica el ritmo, la dinámica y la
velocidad con la que se ejecuta un movimiento.
Es
importante hacer coincidir el estilo de la música y su carácter, con el
estilo y carácter de la danza que se vaya a desarrollar, a fin de fundir
ambas disciplinas en una interpretación rica que llegue al espectador como
un todo de expresión de sentimientos.
Todo lo expuesto nos
lleva a una reflexión:
La música y la danza
son dos disciplinas que necesitan tener algo que comunicar para poder
crear o interpretar, y el bailarín utiliza la música como medio para hacer
fluir sus sentimientos y comunicarse.
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